Mit seinem „Freischütz“ schuf Carl Maria von Weber die erste deutsche romantische Oper. Weber war Zeit seines Lebens ein rastloser Sucher nach einem musikalischen Klang, der die Menschen im Herzen ansprach. Die Dokumentation „Der Freigeist – Carl Maria von Weber“ porträtiert den Menschen und präsentiert auch wenig bekannte Musiken und Lieder von ihm.

Carl Maria von Weber war von Neugier, musikalischer Ausdruckskraft und einer unstillbaren künstlerischen Energie bestimmt. Ein rastloser Erneuerer, dessen Wirkung weit über den bekannten „Freischütz“ hinausreicht. Weber wuchs in einer reisenden Schauspielerfamilie ohne festes zuhause auf, die von Stadt zu Stadt zog zu verschiedenen Theaterbetrieben. Diese Kindheit formte sein Gespür dafür, wie Klänge Menschen bewegen können. Ein Empfinden, das später sein gesamtes Schaffen prägte.

Er verstand das Orchester als erzählende Instanz, experimentierte mutig und öffnete neue musikalische Räume, deren Wirkung bis in die Moderne und in die Filmmusik reicht. Zugleich zeigt sich sein Leben voller Brüche, geprägt von Krankheit, finanzieller Belastung, unermüdlicher Arbeit und der Suche nach einer eigenen künstlerischen Sprache. Webers Musik verbindet emotionale Wucht mit einer zeitlosen Eigenart, die bis heute überrascht.

Die berühmte Oper „Der Freischütz“ ist der Inbegriff der deutschen romantischen Oper und wurde zum Meilenstein deutscher Kulturgeschichte. Weber war einer der ersten, der bewusst eine eigenständige deutsche Opernkultur schaffen wollte – sprachlich, musikalisch und thematisch.

„Der Freigeist – Carl Maria von Weber“ führt in die Welt eines Komponisten, der bis zu seinem frühen Tod im Alter von 39 Jahren unermüdlich daran arbeitete, den Klang seiner Zeit zu erneuern und der Musik eine eigene Ausdruckssprache zu schenken, um dem Publikum eine neue Art des Hörens zu eröffnen.

Anlässlich seines 200. Todestages eröffnet der Film einen Blick auf Webers Klangtiefe und wegweisende Kraft.

Das Leben des am 1. Juli 1926 in Gütersloh geborenen Komponisten ist europäische Zeitgeschichte unterm Brennglas: NS-Zeit und Krieg, Konflikte als Homosexueller und öffentliche Attacken machten Hans Werner Henze zum politischsten Komponisten Deutschlands. Mit weltmännischem Auftreten und Villa in Italien sprengte er, ganz Inbegriff des Dandys, alle Vorstellungen von einem Komponisten der ‚E-Musik‘. Der Film hebt bisher unbekanntes persönliches Archivmaterial und bringt so auch Henzes intime Seite zur Geltung: als Person und als Komponist von bislang unveröffentlichten Liedern.

Die humanistischen Botschaften, die persönlichen Erfahrungen mit Nationalsozialismus, Krieg und kulturellem Identitätsverlust, der Widerstand gegenüber seiner Person und seinem Werk, bis hin zu öffentlichen Anfeindungen: All das sind prägende Erlebnisse, die Hans Werner Henze zu dem politischsten Komponisten Deutschlands werden lassen. Anlässlich seines 100. Geburtstages im Juli 2026 macht die Dokumentation die Gegenwärtigkeit seiner Musik hör- und sichtbar.

Hans Werner Henze ist der musikalische Chronist des Nachkriegsdeutschlands. In seinen zahlreichen großen Opern, in Orchesterwerken und seinen Liedern verhandelt er die wichtigen politischen und gesellschaftlichen Debatten seiner Zeit, lässt sie aber gleichermaßen vor dem Hintergrund seines menschlichen Verständnisses von Musik überzeitlich werden. Sein politisches und musikpädagogisches Engagement ist legendär. Dafür steht ganz besonders das Cantiere Internazionale d’Arte, die Internationale Kunstwerkstatt in Montepulciano, ein Festival für junge Musikerinnen und Musiker, Schauspielerinnen und Schauspieler, das Henze 1976 ins Leben gerufen hat.

Die beiden Autoren haben Zeitzeugen und Schauplätze aufgesucht, um mehr über den Menschen und Musiker Henze zu erfahren und dabei sehr persönliche, auf Kassetten eingesprochene Briefe entdeckt. Und sie haben sich auf die Suche nach bislang unveröffentlichten Liedern begeben. Mit Sopranistin Sarah Maria Sun und Pianist Jan Philip Schulze wurden diese im WDR zum ersten Mal aufgenommen.

„Danke für euren Film über Henze. Was für ein Stück Musikgeschichte, was für ein Stück Zeitgeschichte…. was für ein großartiger Dokumentarfilm. Gratulation und bravo, bravi.“

Dieter Kosslick
langjähriger Berlinale-Direktor

„…Ich habe mir den Film über Henze angesehen und bin sehr beeindruckt. … ein großes Kompliment und danke.“

Margarethe von Trotta
Schauspielerin und Regisseurin

„L‘Orfeo“ von Claudio Monteverdi ist eine der frühesten Opern. Es ist die Geschichte von Orpheus und Eurydike, einem jungen Liebespaar, das vom Schicksal getrennt, erneut auf die Probe gestellt wird. Möglichst originalgetreu, wie zur Uraufführung mehr als 350 Jahre zuvor soll sie 1975 wieder erklingen. In Zürich auf der Bühne und später in Wien als Film-Produktion. Eine radikale Vision des österreichischen Dirigenten Nikolaus Harnoncourt, inszeniert von Star-Regisseur Jean-Pierre Ponnelle.

Harnoncourt holte das historische Klangereignis zurück. Akribisch suchte er Musikerinnen und Musiker alter Instrumente zusammen und vereinte sie zu einem Ensemble. Es gelang ihm die Oper nicht nur verständlich, sondern fesselnd erklingen zu lassen. Dramatischer, unmittelbarer, direkter als es jede Modernisierung gekonnt hätte. Harnoncourt zeigt mit seiner Historischen Aufführungspraxis, dass die scheinbar so alte, so vergangene Musik des frühen Barock dann am klarsten zu einem heutigen Publikum spricht, wenn man sie mit den Instrumenten, den Spieltechniken und im Bewusstsein der künstlerischen Absichten der Zeit ihrer Entstehung zum Klingen bringt.

Ponnelle, der schon in jungen Jahren Bühnenbilder für Monteverdi-Opern entwirft, verwandelt die Welt des Orpheus-Mythos in ein wildromantisch bis düsteres Schlaraffenland mit antiken Anspielungen. Opulente Kostüme treffen auf eine lebendig szenische Umsetzung und ein Spiel voller Leidenschaft.

Herausragende Sängerinnen und Sänger wie Anna-Lucia Richter, Rolando Villazón, Elsa Benoit und Äneas Humm sowie Nikolaus Harnoncourts Sohn Philipp kommentieren die legendäre Inszenierung von vor 50 Jahren.

Kann Musik tatsächliche eine Rolle in der Diplomatie spielen, gar Veränderungen bewirken? Ein Fax aus dem nordkoreanischen UN-Büro scheint dafür den Weg zu ebnen: 2008 laden die Machthaber in Pjöngjang die New Yorker Philharmoniker ein – 55 Jahre nach dem Koreakrieg zum ersten großen kulturellen Austausch zwischen den USA und Nordkorea. Was zunächst wie ein Scherz wirkt, wandelt sich zu einem der außergewöhnlichsten Konzerte der Musikgeschichte.

48 Stunden in der hermetisch abgeriegelten Hauptstadt erleben die Musiker:innen ein Land wie aus der Zeit gefallen. Violinistin Lisa Eunsoo Kim beschreibt die Ankunft: „Es fühlte sich nicht wie ein normaler Flughafen an“. Sie war überrascht vom Einsammeln der Pässe und Handys. Die Musiker erfahren, wie stark die Kontrolle über die Gäste ausgeübt wird. „Wir durften das Hotel nicht verlassen, und wer spazieren gehen wollte, wurde sofort zurückgepfiffen“, erinnert sich der Fernsehregisseur Michael Beyer.

Im Großen Theater von Ost-Pjöngjang herrscht anfangs eisige Förmlichkeit. Das Publikum wirkt vorsichtig, zurückhaltend – ein deutlicher Kontrast zu den gewohnten Konzertreisen in Asien. Doch Chefdirigent Lorin Maazel schafft es, im Laufe des Konzerts die Barrieren zu durchbrechen. „Mein Vater spielte viel in der Sowjetunion“, so sein Sohn Leslie Maazel, „er ist damals überzeugt: Musik verstehen und fühlen alle – sie kann die Tür für Dialoge öffnen.“

Die Programmauswahl erweist sich als diplomatischer Geniestreich. „Der Ablauf war sorgfältig zusammengestellt,“ erinnert sich Dietlinde Turban-Maazel, „es entwickelte sich von den Nationalhymnen zum ernsteren Dvořák.“ Antonín Dvořáks Sinfonie „Aus der Neuen Welt“ – komponiert von einem Tschechen in Amerika – wird zur perfekten Brücke zwischen den Welten. Dirigentin Lidiya Yankovskaya erklärt die emotionale Bandbreite des Werks, das Menschen unabhängig von ihrer politischen Situation berührt. Maestro Maazel Dirigierstil zeichnet für die Violinistin Bomsori Kim von seiner intellektuellen Präzision und emotionaler Tiefe.

Besonders bewegend: Für Leonard Bernsteins Candide-Ouvertüre tritt Lorin Maazel vom Pult zurück. Er lässt es bewusst ohne Dirigent gespielt – eine subtile Botschaft über Selbstorganisation ohne „großen Führer“.

Der Höhepunkt kommt mit „Arirang“, einem koreanischen Volkslied. Hier bricht endgültig der Bann: Das Publikum zeigt Emotionen, der kulturelle Austausch gelingt. Trotz aller politischen Spannungen beweist das Konzert die verbindende Kraft – eine Sternstunde der Musik.

Zwei Künstlerpersönlichkeiten, wie sie auf den ersten Blick unterschiedlicher kaum sein könnten: Martha Argerich, die – sitzt sie einmal am Klavier – mit bezwingender Virtuosität und genialer Impulsivität den Konzertsaal unter Strom setzen kann, die abertausend Tode stirbt, bevor sie die Bühne betritt, und die nichts weniger liebt, als öffentlich über sich und ihre Kunst zu sprechen. Und Daniel Barenboim, dessen schwindelerregende Vielzahl von Aktivitäten am Pult, am Klavier, in Politik und Lehre begleitet wird von der Freude an der medialen Vermittlung. Argerich, die in der Öffentlichkeit scheu und am Klavier so extrovertiert ist, und Barenboim, der die Aura des selbstgewissen Maestros ausstrahlt und der – besonders als Solist am Klavier – durch seine Kunst der Versenkung und Introspektion, durch die stillen Töne aufhorchen lässt.

Beide verbindet von Jugend an eine an musikalischen Sternstunden reiche Künstlerfreundschaft. Was geschieht, wenn diese so unterschiedlichen Persönlichkeiten ein Piano Duo bilden?

Im Jahre 2014 kam es im Teatro Colón zu einem denkwürdigen Konzert der beiden Ausnahmekünstler an zwei Klavieren. Gemeinsam hatten die beiden Superstars beinahe überall auf der Welt schon gemeinsam gastiert – nur nicht in ihrer Heimatstadt. Ihr erstes gemeinsames Auftreten in Buenos Aires geriet zu einer musikalischen Sternstunde und zu einer Art Volksfest gleichermaßen.

Elena Bashkirova, Ehefrau von Daniel Barenboim und selbst gefeierte Pianistin, erinnert sich daran, wie „das Publikum völlig aus dem Häuschen geriet“ und welch besonderes Ereignis das Konzert auch für Argerich und Barenboim selbst war, „weil die beiden sich nirgendwo so zuhause fühlen wie dort“.  Auch Kian Soltani kann sich gut an die Elektrizität erinnern, die an jenem Abend in der Luft lag, denn er stand bei einem Stück mit erweiterter Besetzung an diesem Abend mit auf der Bühne. Lang Lang und Gabriela Montero haben selbst mit diesen Künstlern konzertiert, auch als Piano-Duo, und sprechen darüber, was die besondere musikalische Chemie zwischen Martha Argerich und Daniel Barenboim ausmacht, und das „Geister Duo“ – die Gewinner des ARD-Musikwettbewerbs 2021 – geben Einblicke in die besondere Kunst des Spiels als Piano Duo.

Während ihres Aufenthalts in Buenos Aires gingen Argerich und Barenboim auf Spurensuche nach Orten ihrer Kindheit, wo sie sich kennenlernten.

Und wie erinnert sich Daniel Barenboim selbst an das Konzert? Er lacht: „Mit Martha ist es total einfach. Das ist nicht mit jedem so. Man kann sich in sie nur verlieben.“